主题：【欣赏】唱片封面上的名画 -- 雪个

转帖自古典音乐论坛。

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封面的画来自：

马奈(Manet)

《阳台(The balcony)》

作于1868,油彩，画布，170 x 124 cm

现藏法国巴黎奥塞美术馆 Musee d`Orsay, Paris

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封面的画来自：

这幅画是奥地利画家克利姆特（Klimt, Gustav）所画的《吻》（《The Kiss》）据说这幅画的女主人公的形象就是以阿尔玛为模特绘制的。

资料转贴：

克利‧姆特( Klimt, Gustav 1862-1918 )，奧地利有名的分離派畫家，於維也納闡述著新藝術理論Vienna Secession，他畫出女性的命運，使人注意到黑暗的一面，如Judith I (1901; Osterreichische Galerie, Vienna)。

他的畫作受到德國知名的哲學家“尼采”影響很深，而他有身處於即將瓦解的奧匈帝國的維也納，滅亡前的華麗更也是影響著他，他的畫作中，那種頹廢、神秘、情色充滿著整個畫布之上。

受到混亂歐洲的影響，他作畫的題材非常廣泛，包含古希臘、拜占庭、埃及、克里特藝術，融合了所有的資源，而形成他個人的特色及不同凡響的風姿。

貝爾維德雷宮 (Schloss Belvedere)、奧地利維也納國家美術畫廊，等大量收藏了他的作品。除了收藏他的最品之外，也另外收藏了許多分離派畫家的作品。

代表作品：「艾蒂兒畫像系列」、「吻」、「金魚」等女人畫還有風景畫等都是他的代表作。

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圣安东尼的诱惑（Versuchung des Heiligen Antonius）

欣德米特(1895-1963) 的《Mathis der Maler》现在通行的中文译名为《画家马蒂斯》。但这个名字很容易让人想起野兽派的画家马蒂斯([法国]H.Matisse 1869-1954) 。而实际上Mathis指的是Mathis Grunewald([德]约1455--1528)在美术史上称为“格吕内瓦尔德”，他的作品，在形象和色彩处理上极富感情，对后来德国浪漫主义绘画和表现主义美术有所影响。其中《伊森海姆祭坛画》(约15l0--1515)是有名的传世之作。

1933-1935年，欣德米特以格吕内瓦尔德的故事为背景，自己撰脚本，作成一部歌剧，然后根据这部歌剧的前奏曲与其中的音乐，编成这首3个乐章的交响曲。这3个乐章各以格吕内瓦尔德所作的伊森海姆祭坛壁画为素材，欣德米特自己说：“这是以3幅画为主而作曲，但并非标题音乐，而是尝试让听众在欣赏时，产生如欣赏画一样的心情。”这首作品作于1934年，由富特文格勒指挥柏林爱乐乐团首演。

3个乐章分别为:

　　1.天使的合奏（Engel Konzert）

　　第一幅画为前面的天使拿着大提琴前身之弦乐器，两个天使演奏小提琴。开头部分在歌剧前奏曲中，是以风琴似的导入部开始，接着3把长号奏出德国民歌《3 位天使优美的歌声》的旋律。长笛与小提琴展开另一轻快的主题，短暂发展后，弦乐再展开另一主题。此主题小发展终了后，长笛又出现新主题音型，然后长笛与小提琴奏出的那个轻快优美的主题前半，从高音开始向下出现3次。然后进入各主题的发展部，各主题优美地交织。

　2.埋葬（Grablegung），这是歌剧终幕的间奏曲。

　第二幅画中，人们以悲伤的神情包围着受极刑的救世主，以抑郁而死的主题和优美的情绪化副主题形成对比，3段体。

　　3.圣安东尼的诱惑（Versuchung des Heiligen Antonius）。

　这是歌剧第六幕中的音乐，分为5部分。这第三幅画是折磨圣东尼的妖魔鬼怪的聚会。第一部分先以弦乐齐奏，奏导入部主题，表达后以打击乐器表现戏剧性展开。第二部分低音管与弦乐在管乐的节奏伴奏下展现一个旋律化主题，它经过多次转调，长笛发出恐惧的D、F、A音，管弦乐器奏和弦，然后双簧管、单簧管与长笛、双簧管有交替表现。小提琴又和大提琴交替，形成谐谑风格，推至高潮后构成赋格曲，木管发出风琴的声音奏《赞美救世主》的圣咏，最后是推向“哈利路亚”。

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拉赫玛尼诺夫的《死之岛》是在巴黎看到瑞士象征派画家勃克林的画作《死亡之岛》（The Isle of the Dead ）后所作的。

The Isle of the Dead 死之岛

Painting Date: 1880

Medium: Oil on canvas

Location: Kunstmuseum, Basel, Switzerland

这是勃克林最受争议也最精彩的作品。勃克林十分钟爱这一题材，同题材的作品至少有5幅。在这幅作品中象征主义得以充分表达。勃克林从大自然中精心挑选物象加以组合，创造出奇特的氛围。

死之岛峭壁林立，阴森可怖，只有一船可达，白衣的死神静立于船首（他面前横放着一口白色的棺材），把新鬼渡往不归之地。引发观者对死亡的思考。

值得一提的是，这幅画的名字是勃克林的赞助人起的

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米开朗基罗

《西斯廷礼拜堂天顶画》（1508-1512年）

C13.7*39米 约520平方米

局部：创造亚当

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Jane Morris painted by Dante Gabriel Rossetti as Proserpine (1874)

罗塞蒂(1828～1882)

Rossetti，Dante Gabriel

英国画家。1828年5月12日生于伦敦，1882年4月9日卒于肯特郡的伯青顿。早年从师J.S.科特曼，后入皇家学院。曾和W.H.亨特、J.E. 米莱一起创立拉斐尔前派。绘画题材多取自但丁和中世纪传奇文学，具有浪漫主义幻想特点。代表作为《玛丽的少女时代》、《圣母领报》、《幸福女郎》等。晚年因患狂躁症而隐居。

　　画的主题是珀耳塞福涅(Persephone): 德墨忒耳之女；被冥王诱拐，成为冥界之后。在希腊神话中,她吃了冥界的石榴,从而只能在一年中,有一半时间必须留在冥界.这造成她的母亲的悲伤.最终使大地上出现了四季的变化.

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Jean-Auguste-Dominique Ingres

Paolo and Francesca1819

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这画风格太明显了

包厢》于１８７４年创作，约７９×６３厘米大，现藏伦敦大学考陶尔德美术学院。

作者 : 雷诺阿

国家 : 【法国】

年代 :

大小 : ６５×９３厘米

收藏地点 : 伦敦大学考陶尔德美术学院

　　彼埃·奥古斯特·雷诺阿（１８４１.２～１９１９. １２）在印象派绘画集团中是属于较年轻的一个，比莫奈也小一岁。这位艺术家一生的作品大多以明快响亮的暖色调子描绘青年妇女，尤其是她们的裸体形象。他以特殊的传统手法，含情脉脉地描摹青年女性那柔润而又富有弹性的皮肤和丰满的身躯。他虽也画了不少外光风景画和天真无邪的儿童形象，然而裸体与妇女形象占据他一生作品的主流。他的人体油画不同于以前学派画家所追求的那样虚伪和做作。雷诺阿的女人体，洋溢着一种欢乐与青春的活力，一个个都象是伊甸乐园里从未尝过禁果的夏娃，她们悠然自得，魅力惑人。

　　雷诺阿起初追随画家库尔贝，非常同情和支持库尔贝对学院派艺术的对立。他自己也严格遵循现实生活，善于在寻求印象派的光与色之中和欧洲的古典传统画法相结合。由于他年轻时在瓷器厂作过学徒，故在人像创作中运用了这种细腻的工艺手段。在与印象派画家合作以前，他在官方沙龙展出过一幅以雨果的小说《巴黎圣母院》的主人公为题材的风俗画《埃丝米拉达》，画她在圣母院广场上跳舞卖艺的情景。但过后他觉得自己过多地摹拟前人画法，毫无个性特色；尽管有沙龙给他以好评，他总觉得愧对于自己的艺术追求，悄悄把这幅画撕了。

　　自从追随库尔贝的绘画以来，他的画能放开一些，如油画《狄安娜》（１８６７年作）。可是从构图上看，无论所选人物和画上细节，仍然存在摹仿库尔贝的性质，尽管画上的女神形象是取民间妇女作模特儿的，后又遭到沙龙的拒展。走人家走过的路这不是他心甘情愿的事。

　　经过上述几个摸索阶段，即１８６４～１８７０年这一阶段，雷诺阿开始从马奈的《草地上的午餐》一画被谩骂之中悟出一条真理：迎合官方展览，将永远是自己艺术的绝路。要寻求新的道路那就必须敢于接受挑战。１８７０年，雷诺阿已２９岁，事业上还未露头角，经济上又处于拮据状态，不时要光顾当铺，不得不多次地从一个阁楼搬到另一个阁楼。就在此时期，他去阿让特依，跟随莫奈去户外写生，去理解和感受大自然中的光色效应。

　　《包厢》是雷诺阿正式参加印象派美展的第一次参展作品之一。他一共送去七幅油画。这幅画根据他在剧院里所得的“印象”，回到画室里请人摆模特儿画成的。画上前面那个盛装贵妇是一名叫尼尼·洛比丝的模特儿扮成的。后面手拿望远镜的中年绅士形象，则是由雷诺阿的一个兄弟充当模特儿的。有趣的是，印象派画法也可在画室内制作，他成功地画出了剧院一角的气氛。尤其是画面上两个人物的神情，丝毫没有摆姿势的痕迹，他们似乎全神贯注地在观剧，陶醉在此时此刻的舞台演出中。这幅图版，虽然画框四周被切割了许多，只突出包厢里那个贵妇人的形象。由于雷诺阿渲染了色彩氛围，使观者从中能感受到剧场观众的气氛。贵妇人那张化了妆的脸容与后面那个男绅士，形成鲜明的对比度。《包厢》的色彩基调是暖色。它由玫瑰、黑、白三色组成。贵妇人身上的黑条纹衣服异常显目。这些粗阔的黑条子与她的白色相间的浅色，恰好与绅士身上的黑色外衣与白色衬衫相呼应。运用黑色，在印象派画家中本来是犯忌的，因为外光很难体现纯黑。可能雷诺阿是用小笔触，逐步地添上去的，所以丝毫无斧凿的生硬感。

　　《包厢》于１８７４年创作，约７９×６３厘米大，现藏伦敦大学考陶尔德美术学院。

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这张傅聪的《肖邦夜曲集》封面来自：

文森特·凡·高：阿尔夜间的露天咖啡座

The Café Terrace on the Place du Forum, Arles, at Night

布面油画 81.0 x 65.5 cm

阿尔: 1888年9月

欧特娄: 国立克罗-米勒博物馆

F 467, JH 1580

　　『凡·高自5月到9月18日借住的兰卡散尔咖啡馆, 位于形式广场(Place du Form), 由于通宵营业, 因而被称之为"夜间的咖啡馆"。他曾用两个通宵画了一幅咖啡馆室内的作品, 《夜间的咖啡座》是同期的作品。他时常觉得夜间比白天更充满了生气蓬勃的色彩, 所以几度跑到户外云画星星。画中, 在煤气灯照耀下的橘黄色的天蓬, 与深蓝色的星空形成同形逆向的对比, 好像在暗示着希望与悔恨、幻想与豪放的复杂心态。凡·高已慢慢地在画面上显露出他那种繁杂而不安、彷徨而紧张的精神状况。』(世界名画与巨匠)

　　"一家咖啡馆的外景, 有被蓝色夜空中的一盏大煤气照亮的一个阳台, 与一角闪耀着星星的蓝天。我时常想, 夜间要比白天更加有生气, 颜色更加丰富"(凡·高)

　　凡·高在阿尔时, 着手在画布上描绘灿烂的星夜。入夜后, 他便支起画架, 把一圈小蜡烛固定在帽沿上, 借着烛光描绘星空。他漫步在村中街巷, 不时在路灯下停住脚步, 捕捉夜空的景色, 星空犹如闪光的蓝色布幕, 衬托着黑黝黝的屋顶和房舍。偶尔从敞开的门里, 泻出一道黄色灯光。

　　凡·高酷爱南方天空层次不同的蓝色, 一如大地在阳光下泛出的明丽黄色。他在阿尔的作品经常混用这两种补色, 使画面明亮绚丽。这里, 凡·高描绘了咖啡馆的室外景。室内明亮的灯光洒在屋外鹅卵石铺成的广场上, 在深蓝色的夜空中, 群星闪烁, 宛如朵朵灿烂的灯花。整幅画面气氛温馨恬适, 与他笔下的咖啡馆室内景形成了鲜明的对比。凡·高运用白色和明丽的黄色, 寥寥数笔就描绘出天空中的群星。深蓝色的笔触点染四周, 蓝色逐渐变淡, 笔触纵横交错, 造成星光弥漫的效果。而反向着星光的地面, 则以不同色调的笔触相间而不相混形成;黑色笔触用来表示地面上鹅卵石。

　　在给爱弥尔·伯纳德的信中, 凡·高写道："我对描绘夜景、夜晚的效果以及夜色本身着了迷。这一星期, 我什么也没干, 只是画画、吃饭、睡觉。就是说一口气画上十二个小时, 或者十六个小时, 然后一连睡上十二小时。"

　　文森特·凡·高的这幅画是众多值得注意的作品之一。此外, 也是凡·高的作品中最著名的一个。这幅作品是星光三部曲的第一部。一年后在圣-雷米创作著名的星光灿烂的夜空后的一个月内, Rhone上星光灿烂的夜空也完成了。从Eugene Boch的肖像可以发现一个有趣的事实, 星光是这幅作品的背景。

　　 文森特在给妹妹威廉敏娜的写中热情地介绍The Cafe Terrace"我中断了描绘夜间咖啡馆外部的工作。在这家咖啡馆有喝咖啡的人, 一个巨大的黄色灯将光线分散在咖啡馆, 房子和人行道, 另外也照到了街上的人行道上, 那里有着粉紫色的色调。朝着街上的有绿

色的树的尖顶屋上看可以看到蓝色的天空星星亮晶晶的挂在深蓝的或是紫色天上。你可以不用黑色来描绘夜晚而用美丽的蓝色、紫色和绿色, 在那种环境里, 有着发光的苍白的硫磺色和呈绿色的香木黄。晚上在外面画画使我感到非常有趣。人们经常白天画完草图晚上画水彩和油画, 可我对马上画下来感到满意。" (W7: 1888年9月9日和16日)

　　文森特接着又告诉威廉敏娜Bel Ami by Guy de Maupassant写的书里有段相似的内容："在夜晚星光灿烂的巴黎, Boulevard有一间亮堂堂的咖啡馆, 很像我所描绘的。"

　　凡·高经常从文学作品或是其他画家的作品中得到灵感(例如他复制的让-伏朗索阿丝·米勒的作品)。Cafe Terrace和Evening by Anquetin里的Avenue de Clichy有着相似的风格和构图。凡·高从Anquetin的作品中找到了灵感, 这种在凡·高的全部作品中Cafe Terrace的这种情况是唯一的。注意画面里所有事物的线条都直指着作品中心的马和车。

　　一切好象被拖到漩涡似的内部, 但是同时, 画面又显得很平静。所有的场景都在黑暗之下, 可却没有一丝黑色的痕迹。

　　在文森特完成此画的100多年后, 这家咖啡馆一直是阿尔的人们饮酒的地方, 现在被称做凡·高的咖啡馆, 仍旧保留着那黄色的雨蓬和所有的东西。

　　在这幅作品中, 凡·高使用一条纵线、一条横线、两条对角线来切割画面。没影点, 即透视线的会聚点位于画面正中央。

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莎乐美在希律王前跳舞》

居斯塔夫·莫罗（１８２６.４～１８９８.４）出生在巴黎，父亲是一位建筑师。莫罗的艺术天赋受到作为音乐家母亲的鼓励，每当他伴随母亲外出旅行时，总要画大量速写带回来。但父母没有让他直接去学画。一直到受完系统的古典教育并取得学士学位之后，才同意他于１８４６年考入巴黎著名的美术学校（Ecole des Beaux-Arts）。他的第一位老师是法朗索瓦·爱德华·皮柯特（Francois-Adouard Picot）。青年时期，他被德拉克洛瓦的色彩所吸引，并且在德拉克洛瓦与安格尔的对抗中，学到两者的长处。后来莫罗决意摆脱德拉克洛瓦的影响，但浪漫主义的意识在他的画上已经根深蒂固。尤其当他得益于安格尔的学生泰奥多尔·夏塞里奥（１８１９～１８５６年）的教诲之后，简直成了他的继承人：莫罗与夏塞里奥一样，也爱画匀称的人体，嗜好阿拉伯式东方图案，用绮丽的佩饰来装缀妇女……等等。他的《莎乐美》（１８７６年）、《加拉忒亚》（１８８０年）以及著名的《宙斯与塞墨勒》（１８９４～１８９５年）等是最富特征的象征派作品。

　　居斯塔夫·莫罗的象征主义有两大特征：一是形象浓艳。女性穿戴罗绮珠翠，显得逾闲荡检，极具刺激性；二是善于发挥色彩功能。他的用色与印象派不同，几可与思维等同起来。不是借以“再现”一个可视世界，而以色彩激发观者的情愫。因此，他总爱选择神话或宗教中的斯芬克司、美狄亚（希腊神话中的巫术公主，好妒忌）、莎乐美（圣经新约中大希律王的孙女，善舞蹈，受母亲唆使，提出要施洗约翰的头）、海伦（神话中的美人，因她而引起了长达１０年之久的特洛伊战争）或吐火女怪（神话中口喷火焰的破坏神）等。这些女性形象被画得妖艳而神秘，冷酷而富诱惑力。对于画家来说，具有极强的暗示性。这可能也是一种象征时代的符号，所以印象派画家德加挖苦地说：“他要让我们相信，上帝也佩戴表链。”

　　莫罗一生所画的女性形象以“莎乐美”这个圣经传说人物占最多数。在他笔下的“莎乐美”已缺乏那种纯真的女性美了。她往往情态诡秘，使人观后觉得毛骨悚然。这个形象在其他画家的作品中一般不脱离圣经的内涵：莎乐美怀着欢愉的情绪凝视着施洗约翰的头等，但莫罗则大胆地赋予一种隐喻性：表现施洗约翰的头从盘中徐徐升起；或以东方式佩环装饰来装扮这个妖冶的女子。在她发光的头颅前表现了她的骄奢淫逸的涵义。这种绘画形象曾激起了作家左拉的愤慨，他在俄国刊物《欧洲信使》上发表长篇文章抨击莫罗，说他是“对现代世界的彻底反动。”画家也曾回答观众对他的“莎乐美”提出的疑问，他说：“如果你试想进入我所描绘的这种神秘的象征的精神境界，你就会喜欢用这样的方式去描绘主题。”因为“莎乐美这个烦闷的、极易激动的、肉感的女人，看到她的敌人倒下，并没有表现出多大快乐。她厌烦她的每一个欲望总是被满足”。“这个女人冷漠地、残忍地在那刚才由于杀人而污染了的花园里行走。我要描绘这些细微情节，这些不是在题材里，而是在今天的妇女的气质中发现的。她们寻求不健康的感情。她们是如此愚蠢，甚至最惊心动魄的恐怖场面也不会使她们震颤。这是我描写的主题的一个方面。”

　　在《莎乐美在希律王前跳舞》这幅画中，莎乐美的形象是他寄予象征意图的重点形象。这里的一幅局部图片是他于１８７６年完成的一幅大画上的，色彩的装饰性极其强烈。莎乐美充满一种神秘主义的美感。另一幅《施洗约翰的头在显灵》，则采取一种刻线处理手法，把背景画得充满神秘感，施洗约翰的头在殿中央显灵，以示莎乐美的施虐性格。此画绘于板上，有１０６×７２厘米，作于１８７５年，现藏巴黎卢浮宫。